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miércoles, 22 de enero de 2020

La particular historia de la única moto de Ferrari, un homenaje al pasado de Don Enzo


La Ferrari 900 es la única moto reconocida oficialmente por la casa de Maranello.
 Allá por el inicio de los años 50, cuentan los historiadores más finos del mundo Ferrari, repentinamente empezaron a llegar pedidos a la fábrica de Maranello por un nuevo modelo de motocicleta que acababa de aparecer. Celoso al extremo de la imagen de su marca y de su nombre, esto no hizo más que desatar el carácter sanguíneo de Don Enzo.

Allí nunca habían proyectado una moto siquiera, pero sí existía una nueva motocicleta de la compañía italiana Meccanica italiana Fratelli Ferrari, con sede en Milán, cuyo logo sobre el modelo llevaba solamente “Ferrari”. La historia termina en los tribunales, donde años después Don Enzo obligó a “los otros” Ferrari a cambiar su marca por “Fratelli Ferrari”.

Se terminó de construir en 1995. Tiene trazos similares a la Testarrossa
La anécdota no hace más que elevar exponencialmente el valor de una obra que décadas más tarde iba a encarar un tal David Kay, responsable de diseño de la prestigiosa casa italiana de motos de lujo, MV Agusta, durante los años 90. El hombre, fanático y gurú tanto del mundo de las dos ruedas como de la casa de Maranello, decidió fabricar su propia moto en homenaje a Don Enzo. Inesperadamente, su solicitud para usar el logo oficial a la marca italiana en la nueva creación tuvo como devolución un permiso escrito de puño y letra del mismo Piero Ferrari, hijo de Enzo. ¿Qué hubiera dicho Don Enzo? Es posible imaginarlo…

El diseñador inglés David Kay usó lo mejor de los 90 en su fabricación: tiene tablero digital.
Como única moto oficial del Cavallino Rampante, el diseñador utilizó los mejores materiales y la tecnología de punta de aquella época. La moto Ferrari está equipada entonces con horquilla invertida Forcelle Italia, discos Brembo, doble amortiguación trasera firmada por WPS, ruedas Astrallite de 17 pulgadas, chasis tubular de acero, carenado de aluminio, doble salida de escape fabricado de forma artesanal por Terry Hall y hasta un panel de instrumentos digital.

La Ferrari 900 tiene cierto aspecto a las Cafe Racer, con notorios detalles extraídos de algunos modelos del Cavallino, entre los más destacados, ciertas líneas de la Testarrossa en su carenado. En su chasis, además, lleva el código SF-01M, el único punto en el que cuenta con algo oficial de la marca de Maranello.


Motor de 900 cc y 105 caballos: anda a 265 km/h.

Como Ferrari nunca comunicó la producción de moto alguna, esta joya única pasó inadvertida durante años. Estaba en manos de un coleccionista privado de Gran Bretaña, quien intentó subastarla varias veces, la primera en 2008 a través de la reconocida casa Bonhams, con un precio de partida de entre 260.000 y 290.000 euros, pero no la consiguió vender. Y lo mismo ocurrió luego vía eBay, con el mismo valor de referencia.

En una tercera oportunidad, en 2012, se la llevó un nuevo dueño, pero por mucho menos de su valor inicial: 100.000 euros.

Se intentó subastar en 2008 pero nadie pagó la cifra que se pedía: entre 260.000 y 290.000 euros.
Cuentan también, los máximos sabios y conocedores de la historia de Don Enzo, que il commendatore inició su pasión por los motores sobre dos ruedas, nada menos que sobre una Scott de dos tiempos de principios de siglo. La magnífica tradición que Ferrari construyó luego por supuesto arrasó con esta pequeña porción de historia. Lo que realza el hallazgo de esta joya de dos ruedas. Una pieza que también empieza a transformarse en mito.

Fuente: https://www.infobae.com/autos/2020/01/11/la-particular-historia-de-la-unica-moto-de-ferrari-un-homenaje-al-pasado-de-don-enzo/ 

viernes, 10 de agosto de 2012

Paul Cézanne




Considerado el padre del arte moderno. Intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico abstracto. Entre todos los artistas de su tiempo, Cézanne tal vez sea el que ha ejercido una influencia más profunda en el arte del siglo XX (Henri Matisse admiraba su utilización del color y Pablo Picasso, desarrolló la estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista). Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Estaba distanciado incluso de su familia, que tachaba su comportamiento de extraño y no apreciaba el carácter revolucionario de su arte. Cézanne nació el 19 de enero de 1839 en la ciudad de Aix-en-Provence, en el sur de Francia. Su padre era un banquero acaudalado. Fue amigo de infancia de Émile Zola y, al igual que éste, manifestó interés por el arte desde muy joven para disgusto de su padre. En 1862, después de una serie de encarnizadas discusiones familiares, el aspirante a artista recibió una pequeña asignación y fue enviado a estudiar arte a París, hacia donde ya había partido Zola. Cézanne se sintió de inmediato atraído por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo al pintor romántico Eugène Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a Gustave Courbet y a Édouard Manet, que exponían obras que la mayoría de sus contemporáneos encontraban chocantes tanto por su estilo como por su temática. Muchas de las primeras obras de Cézanne estaban pintadas con pigmentos espesos y en tonos oscuros que recordaban al expresionismo romántico y melancólico de generaciones anteriores. Sin embargo, al igual que Zola en su empeño por desarrollar una narrativa realista, también Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, quería pintar el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo.

La influencia más significativa en los comienzos de su madurez artística fue la de Camille Pissarro, pintor mayor que él aunque poco reconocido, que vivía con su numerosa familia en una zona rural a las afueras de París. Pissarro no sólo proporcionó al inseguro Cézanne el apoyo moral que necesitaba sino que lo introdujo en la nueva técnica impresionista para conseguir los efectos de la luz natural. Junto con Claude Monet, Auguste Renoir y unos pocos pintores más, Pissarro había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre (en plein air) de forma rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores puros, sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos. Pretendían atrapar de ese modo los efectos lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza. Bajo la tutela de Pissarro, en el corto periodo comprendido entre 1872 y 1873, Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural. Aunque parecía poseer menos dominio técnico que los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado dentro del grupo y expuso con ellos en 1874 y 1877. En general los impresionistas contaban con un éxito comercial limitado, y las obras de Cézanne tuvieron la acogida más desfavorable por parte de la crítica. Se distanció de muchos de sus contactos parisinos a finales de la década de 1870 y durante toda la década de 1880 pasó gran parte del tiempo en su Aix-en-Provence natal. A partir de 1882 dejó de trabajar en estrecha relación con Pissarro. En 1886 creyó ver referencias a sus fracasos, apenas disimuladas, en una novela de Zola y rompió sus relaciones con él, a pesar de que había sido su apoyo durante mucho tiempo. Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y por fin, a la edad de 47 años, consiguió la independencia económica, aunque permaneció en su aislamiento social. El aislamiento y la concentración, así como la singularidad de su búsqueda, podrían señalarse como los responsables de la increíble evolución que sufrió su estilo durante las décadas de 1880 y 1890. En ese periodo, aunque continuó pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas.

Más adelante los expertos llegarían a afirmar que Cézanne había descubierto un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. Parecía reintroducir una estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos. El propio Cézanne hablaba de modular el color en lugar de modelar el claroscuro de la pintura tradicional. Con ello se refería a que suplantaba las convenciones artificiales de representación (modelar) por un sistema más expresivo (modular) que se hallaba aún más próximo a la naturaleza o, como decía el propio artista, "paralelo a la naturaleza". Para Cézanne la solución a todos los problemas técnicos del impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus compañeros impresionistas. Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar plenamente su objetivo, por lo que dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras. Se lamentaba de su fracaso a la hora de representar la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años, como Bañistas (c. 1899-c. 1906, Museo de Arte, Filadelfia), revelan unas distorsiones curiosas que parecen dictadas por el rigor del sistema de modulación cromática que él mismo impuso sobre sus propias representaciones. Sin embargo, la generación posterior de pintores llegó a aceptar prácticamente todas las rarezas de Cézanne. Dicha generación creía que ya se habían formulado los objetivos naturalistas del impresionismo y que era necesario un estilo nuevo y original, sin reparar en la dificultad, para poder devolver al arte moderno sinceridad y compromiso. Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo, entre los que se incluían Vincent Van Gogh y Paul Gauguin. Sin embargo, en 1895 Ambroise Vollard, ambicioso marchante parisino, organizó una exposición de sus obras y las promocionó con gran éxito durante los años siguientes. Hacia 1904, Cézanne alcanzó la consagración en uno de los grandes salones oficiales de pintura y cuando murió (en Aix, el 22 de octubre de 1906) había logrado un prestigio considerable. Muchos pintores jóvenes viajaron hasta Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo durante los últimos años de su vida. Sin embargo, tanto su estilo como sus teorías continúan siendo misteriosas y crípticas; para unos era un pintor primitivo ingenuo y para otros un complicado maestro en los procedimientos técnicos. Aunque todos están de acuerdo en que la intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal.

Algunas de sus obras:



Bodegón con pañería (1904)



Martes de carnaval (1888)



Le chateau noir (1904)



Los jugadores de naipes (1892)



Los grandes bañistas (1905)



Naturaleza muerta con manzanas y naranjas (1899)



El padre del artista (1866)



Casa del Dr. Gachet en Auvers (1873)



El puente de Maincy (1880)



El monte Sainte Vintoire (1900)



El rapto (1867)



La casa del ahorcado (1863)

Mario Sironi




Pintor italiano, creador del movimiento pictórico conocido como Novecento, nacido en Sassari. Ya en su adolescencia muestra una facilidad para el dibujo, toca el piano, lee mucho y hace sus primeros experimentos con la pintura. En 1902 se inscribe en la Facultad de Ingeniería de la Universidad de Roma pero no termina sus estudios y decide dedicarse exclusivamente a la pintura. En la Escuela Libre de Via Ripetta conoce a Balla y se hace muy amigo de Boccioni y Severini. Pinta en estos años con la técnica del divisionismo. Comienza a hacer tertulias en el salón de su madre, reuniendo a Marinetti, Balla, Severini y hace ilustraciones para la revista La Lettura. Durante su juventud es víctima de sucesivas depresiones y se preocupa por su estado de salud. En 1908 realiza su primer viaje a París y pinta Autorretrato con paleta, en un estilo divisionista y cercano al de Balla, aunque más realista. En 1913 se adhiere al movimiento futurista, a través de su amigo Boccioni, y participa en 1914 en la Esposizione libera futurista. En 1920, junto a Dudreville, Funi y Russolo, firma el manifiesto futurista Contra todos los retornos a la pintura y participa en la Exposición de Arte Moderno de Ginebra con el grupo de los futuristas. En 1920 el grupo Novecento es presentado en la XIV Bienal de Venecia y en 1929 realiza, junto con Muzio, el pabellón de Italia en la Exposición Universal de Barcelona. En 1933 participa en la organización de la V Trienale, donde se presenta la obra de los creadores del movimiento moderno en arquitectura: Le Corbusier, Gropius, Van der Rohe, Loos, Mendelson y Hoffman; en esta exposición, Sironi verifica su proyecto de unión de las artes y sobre todo su teoría de la pintura mural. En los años siguientes a la caída del fascismo, Sironi se encuentra fuera de la vida pública y sin encargos; sufre mucho esta situación y el trabajo muestra un momento de catarsis. Hacia 1957 su estado de salud se agrava y vive momentos de intensa angustia existencial, aunque su obra es reconocida. Vuelve a las obras de caballete, en composiciones donde muestra una gran capacidad moderna para insertarse en el panorama internacional. Muere el 13 de Agosto de 1961 en Milán.

Algunas de sus obras:


Interior con la madre que cose



El paisaje industrial



El pastor



La modelo del escultor



La arquitectura



Soledad



Mujer con flor

jueves, 14 de abril de 2011

Dubai Fountain - "Time to Say Goodbye" - Andrea Bocelli and Sarah Brightman



*Esta es la filmación de la ceremonia inaugural de La Fuente de **Dubai**. El show, tecnológicamente hablando, ha sido considerado como el más avanzado. La Fuente de Dubai, con sus 275 metros de largo, ocupa una superficie equivalente a dos estadios de fútbol.
Se construyó a un costo de 218 millones de dólares y sus chorros de agua pueden alcanzar la altura de un edificio de 50 pisos. En días claros y cuando funciona a pleno, puede ser vista desde una distancia de más de 300 (trescientos) kilómetros.*

domingo, 10 de abril de 2011

5.000 púas para Hendrix

5.000 púas para Hendrix
Impresionante este mosaico elaborado por Ed Chapman con nada menos que 5.000 púas de guitarra para recrear esta imagen de Jimi Hendrix y apoyar la lucha contra el cáncer. Todas las púas son de la mítica marca Fender y el mosaico fue subastado por unos 26.700 euros en una gala benéfica en los no menos míticos estudios Abbey Road de Londres.
Si quieres conocer más del autor y de la obra, puedes visitar su página oficial, donde también puedes deleitarte con otros espectaculares mosaicos de iconos de la música, el arte o la sociedad contemporáneos.

Vía: Neatorama

sábado, 12 de marzo de 2011

Un paseo por: El Vaticano en 3D- ESPECTACULAR!!!


PACIENCIA, SI, PERO VALE REALMENTE!!!! 

Una vez que abras la pàgina, encontraràs un plano y, a tu izquierda, los lugares o pabellones.
Hagan clik en el que màs les interese y se van a sorprender, ya entraron al Vaticano.

Tienen que tener un poquito de paciencia, porque cada lugar elegido, deben esperar unos segundos para que cargue, pero............VALE LA PENA.
Con el mouse apretado, pueden hacer un giro de 360º y ver arriba y abajo. Ademàs, hay dos ìconos cuadrados sobre la izq. abajo para alejar y acercar la imàgen.

viernes, 18 de febrero de 2011

martes, 7 de diciembre de 2010

Erase una vez en un Centro Comercial

En un Centro comercial, todo el mundo tomándose algo tranquilamente después de un día de compras. De repente, una chica entre la multitud que parecía estar hablando por teléfono comienza a cantar el Aleluya de Händel ante los sorprendidos comensales... Pero ahí no acabó la cosa, rápidamente se les unieron más personas. Resulta que 80 miembros del coro de Niágara de Canadá se habían mezclado discretamente entre la gente del restaurante. Lo que parecía un acto espontáneo fue algo que tardó semanas en prepararse. 

domingo, 7 de noviembre de 2010

España tiene nueva Basilica



El papa Benedicto XVI ha consagrado este domingo, durante su segunda visita a España, el templo de la Sagrada Familia de Barcelona, considerado la catedral del siglo XXI, al que ha elevado a la categoría de basílica.

lunes, 18 de octubre de 2010

Un montaje time-lapse que va a hacer volar tu mente!


Timelapse Montage from Mike Flores on Vimeo.

Hecho por Mike Flores, muestra la vía láctea sobre diferentes paisajes, tomada con cámaras de larga exposición, te va a arreglar la tarde!. 

Venus de Milo, verdadero o falso

Según la historia oficial, o mejor dicho, la historia oficializada, la Venus de Milo, una de las piezas más representativas del período helenístico, supuestamente cincelada entre 130 y 100 a.c., fue encontrada en el año 1820 por un campesino llamado Yórgos Kendrotás, en la isla de Melos, enterrada sobre la costa del mar Egeo. Hasta ese momento, se dice, estaba completa, con sus brazos en perfecto estado. El campesino comenzó un operativo para venderla, sin conocer el valor histórico que tenía. La compró un oficial francés, el oficial francés se la vendió a un clérigo, el clérigo al Marqués de Riviere, el embajador francés en Constantinopla, quien se la regaló al Rey Luis XVIII. Fue así que la Venus llegó a París. Actualmente está expuesta en el Museo de Louvre. Los brazos, continúa la historia oficializada, se rompieron mientras la cargaban en el barco para transportarla.

Todo muy bonito, pero falso.

Primera cuestión y probablemente la más polémica: no es una pieza del período helenístico. Se supone que fue esculpida por lo menos siete siglos después, siguiendo los lineamientos de la escuela griega. Estaba firmada por su autor, pero los directivos del Louvre se encargaron de borrar la firma. También le sacaron la mitad de la base donde está apoyada. Los cambios, obviamente, se hicieron para lograr coherencia estética con lo que el museo promociona.

La versión de los brazos es también apócrifa, la Venus de Milo fue mutilada en el mismo Louvre, de hecho, la famosa mano con la manzana y parte de su brazo están guardados en los depósitos. Se lo cortaron para mantener la simetría y para agregarle valor histórico.

Hubo una gran discusión detrás de estos cambios forzados. Es claro que la decisión final fue tomada a favor de inventar un tesoro del arte universal. Hay quienes la admiran su belleza -se escribieron miles de textos que la analizan, aunque nunca se preguntaron si verdaderamente tiene el valor que le adjudican-, pero también hay quienes la detestan, como el caso del plástico francés Pierre Auguste Renoir, célebre por sus obras y por su conocimiento sobre la historia del arte, quien directamente la tildó de “Gendarme desproporcionado”. 
 

martes, 7 de septiembre de 2010

20 (Y MÁS) MUSEOS QUE DEBES VISITAR

Cuales son los 20 museos más importantes de occidente? Aunque dicha lista es por supuesto subjetiva, he intentado seguir conceptos "objetivos" como su historia y la riqueza de sus colecciones. Así que aquí presento una pequeña guía a los Museos y Galerías más importantes del mundo occidental, con un link a sus sitios web:


Louvre1- El Louvre en Paris es posiblemente el Museo más famoso del mundo. Sus increíbles colecciones abarcan desde las antigüedades egipcias y clásicas hasta la pintura europea,

Museo Metropolitano2- El Museo Metropolitano de Arte en New York el museo más importante de Norteamérica. Su colección es especialmente fuerte en antigüedades egipcias y pintura norteamericana.
Museo Británico3- El Museo Británico es el Museo más importante en el Reino Unido -y uno de los mejores en el mundo- de antigüedades, con una colección inmensa desde la prehistoria hasta la Edad Media..
Vaticanos4- Los Museos Vaticanos albergan las inmensas colecciones de Arte de la Iglesia Católica, con algunas de las obras más famosas del Arte , como la Capilla Sixtina o La Escuela de Atenas de Rafael
Hermitage5- El Museo Hermitage (o Ermitage) es el Museo más importante de Rusia y el más extenso del mundo. Más de tres millones de obras formando una colección desde la prehistoria al impresionismo
Kunsthistorisches6- El Museo Kunsthistorisches de Viena es uno de los grandes museos del mundo. Posee una gran colección de antigüedades egipcias y clásicas, y una fantástica muestra de pintura. 

La National Gallery de Londres7- La National Gallery de Londres alberga una maravillosa colección de pintura europea de los siglos XIII al XX. Es quizás la colección más completa de pintura europea en todo el mundo.
MOMA8- El Museo de Arte Moderno (MOMA) es quizás la colección de arte moderno y contemporáneo más importante del mundo, con obras como Las señoritas de Avignon de Picasso
Orsay9- El Museo de Orsay en Paris es sin duda la mejor muestra de Arte impresionista y del siglo XIX francés de todo el mundo, con obras maestras de artistas como Monet, Delacroix o van Gogh..
El Museo de El Cairo10- El Museo de El Cairo es la colección de arte egipcio más importante del mundo. Sus obras más valiosas y admiradas son los objetos provenientes de la tumba de Tutankamón.
Prado11- El Museo del Prado es el museo más importante en España, y la colección de pintura española más importante del mundo, con obras maestras como Las Meninas de Velázquez.

Uffizi12- La Galería de los Uffizi en Florencia es la colección de pintura italiana más importante del mundo. Se pueden contemplar obras maestras como El Nacimiento de Venus de Botticelli.
El Museum of Fine Arts de Boston13- El Museum of Fine Arts de Boston es uno de los más antiguos y respetados museos de los Estados Unidos. Tiene un "museo hermano" en Japón, el Nagoya Boston Museum of Fine Arts
Rijksmuseum14- El Rijksmuseum de Amsterdam es el Museo Nacionad de Holanda. Posee la colección de pintura holandesa más importante del mundo, incluyendo La ronda de noche de Rembrandt

La National Gallery de Washington15- La National Gallery de Washington incluye una colección muy completa de pintura europea y americana de los siglos XIII al XX. Sus puntos fuertes son el Renacimiento y la pintura americana.
Guggenheim16- El Museo Guggenheim de Nueva York fue diseñado por el famoso arquitecto Frank Lloyd Wright. La Guggenheim Fundation tiene también galerías en Bilbao, Venecia, Berlin y Las Vegas.
La Tate Modern17- La Tate Modern en Londres es quizás la colección de Arte moderno y contemporáneo más importante de Europa, con obras de artistas tan admirados como Bacon, Lichstentein o Pollock
Pompidou18- El Centro Georges Pompidou en Paris es el museo nacional de Francia para el Arte moderno y contemporáneo, alojado en un espectacular y famoso edificio de los arquitectos Rogers y Piano
Art Institute of Chicago19- El Art Institute of Chicago alberga una de las colecciones de Arte más completas de los Estados Unidos, incluyendo obras como Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, de Seurat
Getty20- El Getty Center de Malibu es el museo más acaudalado del mundo. Su colección incluye antigüedades clásicas y pinturas como los Lirios de van Gogh o el Alfonso d'Avalos de Tiziano

Hay unos cuantos nombre más que merecerían estar en esta lista: La Tate Britain, que alberga la más importante colección de pintura inglesa, con cientos de obras de Turner; La National Gallery of Scotland, con una importante selección de pintura europea; la Pinacoteca di Brera, con una pequeña pero sensacional colección de pintura italiana, la Gemaldegalerie de Dresde y la Gemaldegalerie de Berlin, quizás las mejores galerías de Alemania; el Museo Thyssen de Madrid y tres importantes museos en la costa este americana, el Brooklyn Museum y The Frick Collection de Nueva York, y el Philadelphia Art Museum

domingo, 29 de agosto de 2010

Momentos unicos cortesia de N.G. Parte 3



50 Stunning Contest Winning Photographs by National Geographic
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